Roberto Matta

Matta Echaurren, Roberto Sebastián (1911- 2002)

Nace en Santiago el 11 de noviembre de 1911. Artista ligado al surrealismo y personaje decisivo en el grupo de artistas del expresionismo abstracto de los años 40.

Su inicio en la pintura es autodidacta, sin embargo, asistió al taller del pintor Hernán Gazmuri, realizando trabajos con su marcada influencia.

Dibujos figurativos que con el tiempo fueron evolucionando hacia una abstracción. Elementos como el humor, el erotismo, la reflexión, el pensamiento estuvieron presentes en estos inicios.
Roberto Matta ha realizado un valioso aporte en las artes plásticas universales del presente siglo, ubicándose como uno de los artistas Más importantes del Movimiento Surrealista.
Sus trabajos evocaban hacia el futuro, con una visión cosmopolita como se puede observar en cada obra que es plasmó. Al vivir mucho tiempo en Europa, vio de cerca lo que fue la industrialización y la globalización, reflejandolo por las formas, colores y trazos que el representaba.

M. Alejandra Maldonado

Fernand Léger

Reseña

Nació el 4 de Febrero de 1881 en Argentan, Normandía.
Pintor francés cuyas obras pertenecían al movimiento del cubismo y constructivismo, también realizo pósters o carteles comerciales y otros tipos de arte aplicado.
Vino de una familia campesina, quedo huérfano de padre antes de cumplir dos años.
Estudio dos años de arquitectura en Caen, viajando después a Paris, donde es rechazado en la Escuela de Bellas Artes y se inscribe como alumno en el taller de León Gerome y después en el de Gabriel Ferrier.

Sus primeras obras datan de 1905 y son de clara influencia impresionista.
Desde los primeros momentos, el cubismo de Léger se orienta hacia el desarrollo de la iconografía de la maquina.

En 1910 expone con Braque y Picasso en la galería de Kahnweiler donde, en 1912 hace también su primera individual.

Entre 1914 y 1917 cumple su servicio militar. La experiencia de la guerra le revela las posibilidades visuales de las máquinas como iconos de la modernidad.

En sus últimas obras llevó a cabo una separación entre el color y el dibujo de tal manera que sus figuras mantienen sus formas robóticas definidas por líneas negras.

Obra:

Tres mujeres (1921)

Las mujeres del cuadro se conforman por volúmenes geométricos que abstraen la figura y contrastan con un fondo de figuras planas.

Léger en sus trabajos crea elementos diferentes que provocan sensaciones simultáneas, como maquinas que evocan al futuro, a través de trazos definidos, con colores planos, y algunas zonas con volumen.

Bibliográfia:

http://www.epdlp.com/

http://es.wikipedia.org/

M. Alejandra Maldonado

LA AJENIDAD

Autor: Roberto Matta

Técnica: Óleo sobre tela

Colección: Museo Nacional de Bellas ArtesEn

"La ajenidad" Matta simplifica visualmente lo expuesto en otras obras y lo reúne en torno a una figura. Este ejercicio hace que la obra derive de lo narrativo al símbolo, dos de los motivos importantes en la obra de Matta. El color también sufre cambios puesto que se dispone organizando una figura y un fondo.

ROBERTO MATTA ECHAURREN

Santiago, 1911 - San Paolo de Civitavecchia, Italia, 2002
Pintor chileno
Figura señera del arte pictórico chileno del siglo XX, perteneciente a la Generación del 40.

Cursó la enseñanza media en el Colegio de los Sagrados Corazones y estudió arquitectura en la Universidad Católica de Santiago, por la que se diplomó en 1931. Poco después viajó a París, donde trabajó con Le Corbusier (1934), pero no tardó demasiado en abandonar la arquitectura para dedicarse en exclusiva al arte pictórico.
En 1937, después de trabajar en Londres junto con Walter Gropius y Moholy-Nagy, conoció a André Breton, a través de Federico García Lorca y Salvador Dalí, y abrazó la estética surrealista (1937). Pronto pintó sus Morfologías psicológicas (1938-1939), en las que se entregó a la exploración del inconsciente y al "automatismo absoluto".

El Lissitzky

Pseudónimo de Lazar Márkovich Lisitski (23 de noviembre de 1890 - 30 de diciembre de 1941).
Artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto,
una de las figuras más importantes de la vanguardia rusa, contribuyendo al desarrollo del suprematismo, diseñó numerosas obras de propaganda para la Unión Soviética principal representante de el arte abstracto y en su país del constructivismo, influyente en el movimiento Bauhaus, el constructivismo, y De Stijl
Experimentó en producción y recursos que mas tarde se denomino diseño grafico del siglo XX.

Comentario personal

Conservando las medidas y no mezclando conceptos ha hecho de las obras de El Lissitzky un congruente plano con gran fuerza que calibran cada una de sus líneas y conceptos usados en Proun 19. Libre y enigmático Este nombre, especie de abreviatura de Pro Unovis, consigna para "la renovación del arte", se transformó en un concepto central. Lissitzky lo convirtió en el objeto eminente de sus teorías. "El Proun tiene la fuerza de crear objetivos. En esto consiste la libertad del artista frente a la ciencia".
Con los prounen introdujo ilusiones tridimensionales a través del empleo de formas con cierto efecto arquitectónico. Proun fue esencialmente la exploración de Lisitski del lenguaje visual del suprematismo con elementos espaciales, utilizando ejes cambiantes y perspectivas múltiples; ambas eran ideas inusuales en el suprematismo. El suprematismo de la época se llevaba a cabo casi exclusivamente a través de formas bidimensionales, y Lisitski, con su gusto por la arquitectura y otros conceptos tridimensionales, intentó llevar al suprematismo más allá. Sus prounen abarcaron media década y evolucionaron desde pinturas y litografías sencillas hasta instalaciones plenas en tres dimensiones.

Caligramas :: Natalia Soto

Vicente huidobro.

RESEÑA:

Vicente García-Huidobro Fernández (Santiago, Chile, 10 de enero de 1893 , 2 de enero de 1948),
mayormente conocido como Vicente Huidobro, fue un poeta. Creador y exponente del creacionismo,
es considerado uno de los 4 grandes de la poesía chilena con Neruda, De Rokha y Mistral.
EXPLICACÍON DE LA OBRA Y COMENTARIO PERSONAL:

Que el verso sea como una llave
Que abra mil puertas.
Una hoja cae; algo pasa volando;
Cuanto miren los ojos creado sea,
Y el alma del oyente quede temblando.

Inventa mundos nuevos y cuida tu palabra;
El adjetivo, cuando no da vida, mata.

Estamos en el ciclo de los nervios.
El músculo cuelga,
Como recuerdo, en los museos;
Mas no por eso tenemos menos fuerza:
El vigor verdadero
Reside en la cabeza.

Por qué cantáis la rosa, ¡oh Poetas!
Hacedla florecer en el poema;

Sólo para nosotros
Viven todas las cosas bajo el Sol.

El Poeta es un pequeño Dios.

el arte poetico , en su obra reprecenta los sentimientos
segun lo que explicaba o lo que uno puede ver
en sus obras.

Yo por lo que veo y trato de entender en esta obra es el cielo un sol y colores opacos . No se entienden

Bibliografia:

www.wikipedia.com

Stéphane Mallarmé

reseña del autor

Stéphane Mallarmé (París, 18 de marzo de 1842 \ 9 de septiembre de 1898)
fue un poeta y crítico francés, uno de los grandes del siglo XIX,
que representa la culminación y al mismo tiempo la superación del simbolismo francés.
Fue antecedente claro de las vanguardias que marcarían los primeros años del siguiente siglo.

Retrato de Stéphane Mallarmé pintado por Monet.
El poeta francés, cuya obra influyó enormemente en el simbolismo,
estuvo muy vinculado al movimiento impresionista.

sobre la pintura se confunde un poco con los trazos que hace
con el pincel. Es una linda pintura

caricatura de mallarmé en la prensa de la epoca , 1887

Es un ser mitologíco , medio confuso y podriamos decir que
se refleja la cara de stéphane en la caricatura.

Bibliografia:

www.wikipedia.org

Caligramas

Guillaume Apollinaire

pseudónimo de Wilhelm Albert Włodzimierz Apollinary de Wąż-Kostrowicki (Roma, 26 de agosto de 1880 – París, 9 de noviembre de 1918), fue un escritor francés.

Nacido francés , de origen polaco, pasó su infancia entre Roma, Mónaco (donde estudió) y París. Escritor de vida azarosa, desempeñó diversos empleos: en 1901 lo vemos viajando a Alemania, para sobrevivir, como preceptor de la hija de la vizcondesa de Milhau, durante un año. A su regreso a París, en 1902, trabajó como contable en la bolsa y como crítico para varias revistas, desde las que teorizó en defensa de las nuevas tendencias, como el cubismo de sus amigos Picasso y Braque y el fauvismo de Henri Matisse, con los que compartió la vida bohemia de la época y frecuentó los círculos artísticos y literarios de la capital francesa, donde adquirió cierta notoriedad.

En 1909 publicó su primer libro, El encantador en putrefacción, basado en la leyenda de Merlín y Viviana, al que siguieron una serie de relatos de contenido fabuloso. Sus libros de poemas El bestiario o el cortejo de Orfeo (1911) y Alcoholes (1913) reflejan la influencia del simbolismo, al tiempo que introducen ya importantes innovaciones formales; ese mismo año apareció el ensayo crítico Les peintres cubistes (Los pintores cubistas), defensa encendida del nuevo movimiento como superación del realismo. Al estallar la guerra de 1914, se alistó como voluntario y fue herido de gravedad en la cabeza en 1916; ese año se le concede la nacionalidad francesa, murió dos años después, víctima de la gripe española, cuando aún estaba convaleciente.

Reseña de la Obra

En los poemas de Caligramas, subtitulado Poemas de la paz y de la guerra, lleva al extremo la experimentación formal de sus anteriores obras, preludiando la escritura automática surrealista al romper deliberadamente la estructura lógica y sintáctica del poema.

Colección de poemas inspirados por la guerra y escritos en la trinchera. Son muy variados:

• Con o sin intervención de la tipografía y el color
• Escritura enmarcada

• dibujados con la palabra
• construidos con letras deformadas

• Vacíos
• Concretos
• Anti-representativos y auto-representativos

Son célebres, por otro lado, sus «ideogramas», en que la tipografía servía para «dibujar» objetos con el texto mismo del poema, en un intento de aproximarse al cubismo y como expresión del afán vanguardista de romper las distinciones de géneros y artes. Esta técnica hoy en día es denominada bajo el nombre de «poesía visual», como un todo o una base desde la cual se realiza esta taxonomía de las diferentes expresiones como la caligramática; referido a la poesía, también existe poesía auditiva, poetry sound.

Juan Pablo Yañez

Lizzitsky

Biografía:
Pintor, tipógrafo, diseñador y arquitecto ruso, uno de los principales representantes del arte abstracto y pionero en su país del constructivismo. Nació en Smolensk, estudió ingeniería en Darmstadt, bajo la tutela de Joseph Olbrich, y más tarde arquitectura en Moscú, durante la I Guerra Mundial. En 1919 fue nombrado catedrático de Arquitectura y Diseño gráfico en la escuela de arte de Vitebsk, dirigida por Marc Chagall. Su identificación con el movimiento constructivista comenzó en 1919, cuando coincidió con el pintor Kazimir Maliévich, que cuatro años antes había proclamado el suprematismo, un movimiento pictórico esencialista y estrictamente geométrico. En el mismo año, El Lissitzky pintó una serie de obras abstractas que denominó Proun (un acrónimo en ruso de 'por el nuevo arte'). En 1920 compuso la Historia de dos Cuadrados, un texto simbólico en el que los protagonistas son un cuadrado rojo y uno blanco, el escenario es la tierra (un círculo rojo), y el antihéroe es el caos (una selva de formas geométricas). Al igual que su cartel político Golpea al blanco con el borde rojo (1920), la Historia de dos cuadrados es una potente demostración de la capacidad propagandística del nuevo arte. Desde 1922 hasta 1931, después de un breve periodo de enseñanza en la Escuela Estatal de Arte de Moscú, El Lissitzky se trasladó a Europa occidental para difundir las ideas de la vanguardia rusa. En la exposición de Berlín de 1923 conoció a Theo van Doesburg y otros miembros del grupo De Stijl, y desde entonces se convirtió en un personaje influyente del movimiento abstraccionista. En 1923 fundó el grupo constructivista junto a Gerhard Richter y László Moholy-Nagy. Entre sus obras más emblemáticas se encuentran la Vitrina Proun (1923) y la Vitrina Abstracta (1926), ambas reconstruidas en Eindhoven y Hannover, respectivamente. Como arquitecto cabe reseñar su Tribuna Lenin (1920) y el visionario proyecto del Rascanubes (1924, en colaboración con Martin Stam), una especie de rascacielos horizontal, elevado sobre la ciudad de Moscú, que nunca llegó a construirse.

OBRAS

Cubierta de Yingl Tsingl Khvat (El niño travieso) de El Lisitski, h. 1918. Las letras hebreas y los símbolos destacarían prominentemente en su obra posterior, incluyendo diseños de libros, litografías, y espacios de exposición soviétivos tanto como símbolos visuales como formas estéticas para ayudar a la composición.^[2]

Proun 19D (1922)

Descripción: Técnica mixta sobre chapa. 97.5 x 97.2 cm.
Localización: MOMA. Nueva York
Autor: Lazar Lissitzky

Comentario personal:

La primeras obras de Lissitzky estan influidas por las composiciones suprematistas de Malevich y consisten en los llamados Proun. Su plantiamento constructivista le lleva a la idea del intercambio entre pintura y arquitectura, que se manifiesta de manera concreta en sus diseños de salas de exposiciones.

ROBERTO MATTA

Biografía

Nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911 (11.11.11), cifra que utilizaría con frecuencia en su carrera artística.^[2] Estudió en el Colegio de los Sagrados Corazones de Santiago, en ese entonces su vecino fue Nemesio Antúnez en esos años es también donde comienza a destacar con sus notas en dibujo y caligrafía. A inicios de la década de 1930 participó en algunas manifestaciones contra Carlos Ibáñez del Campo, igualmente realizó el servicio militar en el Regimiento Coraceros de Viña del Mar, reprimiendo las manifestaciones en las que antes había tomado parte, lo que le provocó un gran sentimiento anti-militar.

Luego de titularse de arquitecto, que partió a Europa. En el viejo continente conoció a artistas de la talla de Salvador Dalí, René Magritte, André Bretón y Le Corbusier.

Autor: Roberto Matta Técnica: Óleo sobre tela Colección: Museo de Arte Contemporáneo

Matta logró, con la creación de una visualidad original, mantenerse dentro de un estilo que le es propio. Una de sus características es la incorporación de una poética que nace con su obra o que le es contemporánea. En contacto con artistas de diversas áreas, Matta es capaz de condensar en su obra los descubrimientos no sólo de las artes visuales, sino del amplio espectro del arte. "Nacimiento de América" es la síntesis visual que compromete las preocupaciones características de los creadores del continente: los orígenes, las raíces y el suelo natal.

Abrir el cubo y encontrar la vida Autor: Roberto Matta Técnica: Óleo sobre tela Colección: Museo Nacional de Bellas Artes

Roberto Matta realizó estudios de arquitectura y se trasladó tempranamente a París donde se formó como artista plástico, tomando contacto no sólo con los surrealistas, sino que también con el amplio espectro de artistas de vanguardia que existían a mediados de siglo en Europa. Este hecho que no es menor a la hora de analizar su obra, dejó al artista en una posición favorable al momento de la elaboración de su discurso plástico. La posición de Matta dentro del circuito internacional y la solidez de su pintura hablan de un artista consolidado, con fuertes conexiones surrealistas y que cuenta con el privilegio de haber inventado un lenguaje visual particular. El arte de Matta se produce en la creación de signos y una visualidad originaria. "Abrir el cubo y encontrar la vida" es una obra en donde la gestualidad individual del pintor se hace presente primero en el formato antropomorfo, que significa la salida del cuadro y luego en la relación sistemática de todos los elementos presentes que se organizan como universo .

ART NOUVEAU INGLES

Naciendo en Inglaterra el movimiento Art Nouveau se constituía sobre diseño grafico e ilustraciones. Autores como Aubrey
Beardsley considerado un especialista y niño terrible por los demás artistas del movimiento.
Beardsley cambio de buena manera el movimiento con su prolífico trazo negro y blanco, años mas tarde y a la joven edad de 26 años fallece de tuberculosis dejando. En sus últimos años de vida, beardsley fue invalido y trabajo inspirado en pintores como Antoine watteau. En los siguientes años kelmscott aporto la distinta mirada de la figura humana y poderosas formas negras. Beardsley dejo inculcado en el movimiento su sutil trazo en madera grabada ya que tenia alta fidelidad con el arte original.
Nacieron distintos exponentes de técnica, como charles Shannon competidor de beardsley pero fiel amigo. Oscar Wilde fue un acérrimo simpatizante de este movimiento ya que diversos poemas fueron traspasados a ilustraciones por diferentes renombrados artistas.
William Morris se emociono cuando ojeo el libro de la imprenta vale, propiedad de charles Ricketts ya que este era muy meticuloso en el oficio del libro preocupándose por cada uno de los detalles de las hojas.
Laurence Housman, escritor y diseñador fue muy nombrado en este movimiento gracias a sus 1minusculos detalles en sus obras.
Baggarstaff, así se llamo el estudio de diseño publicitario de James Pryde y William Nicholson. Esta compañía sobria de muy mal manejo financiero y también por que los diseños de estos artistas no circularon mucho sus obras a lo largo de Europa. Lo más importante de estos hermanos es que inventaron una nueva técnica llamada “collage”, trabajando en siluetas y figuras de colores cortadas con tijeras.

IDEAS PRINCIPALES

+ Aubrey Bearsley fue el más importante exponente ya que influyo de gran manera en todo el movimiento.

+ La revista “El estudio” en 1893 reprodujo el trabajo de Aubrey y se transformo en la revista de este estilo.
Grane fue el primero en la aplicación de objetos ornamentales.

+ Kelmscott introdujo sus modelos impresionantes, aunque Morris lo tratara de simpatizantes japonés por sus obras.

+ Libro amarillo se llamo el libro donde beardsley fue hecho editor de arte.

+ En 1893 Aparicio su primer diseño (ricketts) completo de un libro

+ Licketts fundo la imprenta vale pero dejaban sus diseños en otras localidades.

+ La obra mas importante de baggardstaff fue el quijote de sir Henry Irving.


COMENTARIO PERSONAL

grandes cambios se vieron en esta época importante para la grafica, gracias a ese grupo de artistas que mas que nada trabajaba para darse a conocer y proyectar el Art Nouveau hacia otros rincones, experimentando con figuras y trazos hasta llegar a una obra difícilmente reproducida y que marco de gran manera a la sociedad de esa época.
Nacieron grandes estilos como el collage, los ornamentos detalladísimos y el color, todo esto que le da el instintivo al movimiento Art Nouveau.

Juan Pablo Yañez Caroca

Resumen texto:

En Inglaterra el Art Nouveau se interesaba mas por el Diseño Grafico y las ilustraciones que por el diseño arquitectónico y de productos. Su origen incluyen el arte gótico y pintura victoriana. Nació en abril del año 1893. Grane fue uno de los primeros en la aplicación de modelos ornamentales japoneses e interpretaciones orientales para diseño de modelos de superficies. Aubrey fue el niño terrible de la pluma ( blanco y negro y fantasía escandalosamente exótica) se vio aumentada en distorsiones imaginativas y extrañas de la figuras humana y poderosas formas negras. Beardsley preservo el método de bloques de maderas grabadas fototipograficamente, conserva la fidelidad del arte original de las ilustraciones grabadas en maderas, sustituidas por dramaticos contrastes en blanco y negro. La sociedad victoriana fue sacudida por esta celebración de la perservidad. Beardsley trabajo inspirado en estilo romántico de los pintores romanticos-naturalistas, también penetro la ilustración y el diseño en los europeos y en Norteamérica. Charles Shannon principal competidor de Beardsley, Ricketts grababa en madera y se inclinaba por la ilustración que integraba en tipografia su disposición de paginas es mas ligera.



Ideas Principales:

- Nacio: Inglaterra- Abril de 1893
- Interes por el diseño grafico y las ilustraciones
- Grane fue el pionero
- Aubrey Beardsley fue el niño terrible del movimiento ( personaje muy importante)
- *Manejo de –Pluma
- -B y N
- -Fantasia escandalosamente exotica
-
- Bloques de madera gravados
- Sociedad inglesa sacudida por la perservidad
- Rickett - Estudio empresa editorial


Comentario Personal:


Etapa o movimiento artistico que hizo nacer a varios diseñadores que hasta el dia de hoy dislumbran con sus obras o composiciones. Cada uno se especializaba en algo, se tenia muchja competencia entre ellos

Chéret y Grasset

Dos gráficos importantes del Art Nouveau en Paris, fueron Jules Chéret (1836 – 1933) y Eugene Grasset.
En 1881 las calles se fueron convirtiendo en galerías de arte, empapeladas por carteles llenos de imágenes y color, por la nueva ley impuesta ese año, referente a la libertad de prensa.
Chéret fue aclamado como el padre del cartel moderno.
En 1886 logro poder tener su propia empresa impresora, con la ayuda de Eugene Rimel.
Desde 1886 hasta el cambio de siglo, produjo mas de 1000 carteles.
En 1881 vendió su compañía a Imprimeria chaix, convirtiéndose en director artístico de esta empresa.
Se retiro a Niza, donde el Museo Jules Chéret, que preserva su trabajo, fue indurado poco antes de su muerte a la edad de 97 años.
Eugéne Grasset, de nacionalidad suiza, fue el primer diseñador ilustrador que rivalizo con Chéret en popularidad pública.
Grasset estudio arte medieval. Desarrollo un “estilo de libros de iluminar” en grueso contorno y áreas planas a color.

Ideas Principales

- Dos artistas gráficos que trabajan en Paris, Jules Chéret y Eugéne Grasset, jugaron importantes papeles en la transición del Art Nouveau.
- Las calles se convirtieron en galerías de arte para la nación, pues aun el mas pobre trabajador observaba el medio ambiente transformado por las imágenes y el color.
- Jules Chéret había mostrado el camino y el movimiento de las artes y los oficios
- Chéret fue apodado como “el padre de la liberación femenina”, porque sus mujeres comenzaban a tener un nuevo papel ante a sociedad de su época.
- Eugene Grasset, fue el primer diseñador – ilustrador que rivalizo con Chéret en popularidad publica.
- La composición formal de Grasset y los colores de baja intensidad, constrastaban fuertemente con el trabajo de colores brillantes compuestos informalmente por Chéret.

Comentario Personal

El Art Nouveau, fue sin duda un estilo que marco históricamente al diseño, sus carteles fueron de mucha importancia para el comienzo de este estilo de transición.
Personalmente, Chéret y Grasset fueron de real importancia para este movimiento, fueron quienes dieron el pie a los carteles que inundaban la ciudad de ese tiempo, y que sirvió como impulso para los demás ilustradores.

El desarrollo del cartel del Art Nouveau francés

Desde la década del año 1880, en Francia comienzan a nacer nuevos diseñadores que influenciados por las impresiones a color y el ambiente nocturno de los Cabaret crean un nuevo estilo en los carteles de la época, todos influenciados entre sí, pero cada diseñador con un estilo propio. Estos trabajos al ir evolucionando llegaron al llamado L' art Nouveau, o también llamado el Arte Nuevo, pero ahora con influencias del lejano Oriente y el trabajo japonés. Alphonse Mucha, quien primero fue detractor de esta nueva asignación, fue el representante del Arte Nuevo y su tema predominante era la figura femenina. La evolución del Art Nouveau llegó a estar presente en empresas comerciales, en el desarrollo de piezas arquitectónicas más completas, pero aún con inspiraciones de los antiguos representantes del género.


Ideas Principales

- Henri de Toulouse Lautrec, George Auriol, Theophile- Alexander Steilen y Alphonse Mucha, fueron los iniciadores del Art Nouveau en Francia.

- Mucha fue el representante más importante del moviemiento desde que creó el cartel para la obra teatral de la Gismonda.

- Todos los artistas se guiaban por un patrón o ideas de obras de otros diseñadores, pero les añadían sus propios gustos y estilos.

- Este estilo paso de tener influencias de los Cabaret al Rococó y el Arte Japonés.

- Marcas como Coca-Cola y General Electric han estado en uso continuo desde 1890 y fueron originadas en el Arte Nuevo.

Comentario personal

Lo que me parece interesante del estilo, es como los distintos artistas tomanban las mejores ideas de cada uno y lo usaban para crear carteles muy atractivos y distintos entre si. Me gusta más los comienzos del movimiento, cuando los diseñadores hacían carteles para revistas y cabaret ya que aún no estaban definidos por un estilo y resultaba todo más espontáneo.